La vie d'artiste

Travailler sur les commissions d'art: 5 étapes clés pour transformer l'inspiration en succès

Travailler sur les commissions d'art: 5 étapes clés pour transformer l'inspiration en succès



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Créer de l'art pour une commande peut être un excellent moyen de compléter vos revenus et, si tout se passe bien, de développer des relations durables avec les collectionneurs d'art. Cependant, le processus doit être géré de manière réfléchie, car il existe de nombreux pièges potentiels.

Le principal de ces mésaventures est la mauvaise communication et les attentes irréalistes de l'artiste et du client. Après tout, il s'agit essentiellement d'une transaction commerciale, et non d'une opportunité de créativité en roue libre.

Pour réussir, voici cinq règles essentielles à garder à l'esprit lors de l'examen de toute demande de travail commandé.

5 lignes directrices essentielles pour une commission artistique réussie

1. Connectez-vous avec le sujet

Il est important d'avoir une forte affinité pour le sujet. J'ai découvert par expérience que si mon cœur n'était pas dans le travail, cela ne se passerait probablement pas bien.

J'ai un éventail assez large d'intérêts artistiques, mais si le sujet ne provoque pas d'étincelles, je le refuserai.

2. Dites non aux photos tierces

Je ne peins pas à partir de références photo fournies par d'autres. Si je n'ai pas personnellement vu le sujet, je ne peux pas l'interpréter de façon créative.

3. La communication est la clé

Il doit y avoir une bonne communication entre le client et vous. Expliquez en détail ce que vous ferez, dans quel ordre et à quelle date.

Le client sait exactement ce que le projet coûtera et quand l'argent sera dû.

4. Créez des maquettes Photoshop

Pour m'assurer que nous sommes tous d'accord sur le sujet, le type d'imagerie et le support de l'art final, je crée généralement trois maquettes des compositions potentielles en couleur, soit à l'aquarelle, soit dans Photoshop. Pour instaurer la confiance, je le fais sans frais.

Photoshop est extrêmement utile pour les maquettes, car on peut repeindre, repenser, recomposer et même texturer une image, c'est donc un fac-similé raisonnable de ce que sera la peinture finale.

Je recommande de demander au client de se déconnecter sur l'une des images avant de poursuivre le projet. Si le client ne parvient pas à s'entendre sur un point à ce stade, essayez d'en créer un ou deux de plus - s'il peut être précis sur ses préoccupations et si le projet est suffisamment important.

5. Augmentez le prix

Je ne m'implique pas dans les négociations de prix. Mes tailles et prix sont affichés sur mon site Internet.

En ce qui concerne les prix, on pourrait dire que les travaux personnalisés devraient avoir un prix plus élevé, car il s'agit d'une interruption du flux normal du travail prévu d'un artiste. En fait, certains artistes facturent plus pour cela.

À la fin de la journée, l'artiste doit aussi être heureux! Lisez la suite pour savoir comment j'ai assemblé mon article commandé avec succès, intitulé Meadow Light.

Du concept à la commission, étape par étape

Pour cette œuvre d'art personnalisée, mon client basé en Californie, un ancien résident natif du Kansas, voulait quelque chose pour lui rappeler les bois et les prairies dans lesquels elle a grandi et qu'elle avait aimé enfant.

J'ai créé trois petites aquarelles pour cette commission pétrolière de 30 x 40 pouces basée sur la lumière du matin qui coule à travers de grands arbres entourant ma prairie. Si je fais mon travail de préparation avec diligence, je présente toujours trois options solides pour le client.

Travailler par trois donne aux clients suffisamment de choix pour qu'ils en choisissent généralement un sans avoir l'impression d'en voir plus. De même, donner aux clients plusieurs bonnes options est également une excellente stratégie pour développer des travaux futurs.

Dans le cas de Meadow Light, ma cliente était tellement satisfaite du tableau final (qui utilisait la deuxième des trois options originales), elle a finalement commandé les deux autres aussi! Cela s'est produit plusieurs fois au fil des ans.

Matériaux

Je ne coupe jamais les coins avec des matériaux lorsque je travaille sur une commande d'art - peu importe mon penchant personnel vers la frugalité dans mon travail personnel en studio. Quand vient le temps de produire une œuvre d'art pour un client, il a le droit d'attendre le meilleur.

J'achète la meilleure qualité de brancards lourds. Si l'image dépasse 48 pouces dans n'importe quelle dimension, je choisis les meilleures barres composites aluminium / bois Pro-Bar. Ils ne se déformeront ni ne se plieront jamais. Sur les brancards, j'utilise du lin belge apprêté à l'huile de qualité supérieure. (Consultez cet article de notre blog sur la façon d'étirer une toile apprêtée)

Blocage tonal

Une fois que j'ai la certitude d'avoir un support de peinture correctement quadrillé et étiré, je dessine sur la composition en utilisant un brun oxyde transparent dilué avec un peu d'essence minérale et un médium à peindre.

Avec ce sujet, j'ai décidé de peindre un block-in tonal. Il s'agit d'une technique de vieux maître, par laquelle la peinture entière est exécutée en une ou deux couleurs, avec toutes les valeurs correctes et les textures suggérées avec précision.

J'ai utilisé cette technique en raison des effets de lumière extrêmes que j'essayais de représenter. Étant donné que la peinture à l'huile est un processus soustractif - contrairement à la lumière réelle, qui est additive - la lumière la plus brillante que je puisse simuler est directement sortie du tube de blanc de titane.

Toutes les autres valeurs doivent être subordonnées à cette réalité. Une fois que j'ai obtenu cet effet directement dans le bloc tonal, je n'avais qu'à faire correspondre les valeurs déjà établies avec la sur-peinture et le vitrage des couleurs, qui suivent.

Mélange de couleurs

Je préfère mélanger ma couleur en cordes, du clair au foncé, souvent du chaud au frais. Cela garantit l'harmonie des couleurs et me donne la plus grande variété de températures, de nuances et de valeurs à choisir au fur et à mesure.

Plus important encore, une fois que ces couleurs ont été soigneusement mélangées, je ne dois pas m'arrêter pour mélanger de la peinture fraîche, et je ne suis pas tenté d'ajouter une nouvelle couleur disharmonieuse au mélange.

Les photos ci-dessus montrent les deux mélanges que j'ai créés pour couvrir tous les verts nécessaires à cette peinture commandée. Dans le premier mélange, j'ai utilisé du cadmium citron mélangé à de la sève verte.

Dans le deuxième mélange, j'ai utilisé du jaune de cadmium mélangé avec du bleu outremer. Cela m'a donné une large gamme de refroidissements chauds et de températures fraîches pour travailler.

Application de couleur

À l'aide de grandes brosses plates en poils de porc, j'ai posé la couleur en grandes masses en faisant attention à faire correspondre les valeurs de mon blocage correctement dès le début. En faisant cela, le travail se déroule rapidement et je peux même commencer à suggérer des bords lorsque je me déplace le long de la composition.

Je suis fan de pentimento. Comme vous pouvez le voir sur l'image ci-dessus, je laisse autant de sous-couche que possible. Les petites taches de tons chauds rouge-brun fonctionnent pour vibrer en complément des verts vifs.

L'arrière-plan de travail au premier plan, frais à chaud, a du sens pour augmenter la profondeur et le ton spatial.

À ce stade, je ne me préoccupais pas des détails, mais plutôt des masses de couleurs et de l'humeur. En utilisant des plats et des filberts de poils de porc de 1 pouce et 3/4 pouces, j'ai suggéré les faisceaux lumineux en arrière-plan pour voir comment gérer ces fonctionnalités.

Après avoir fait allusion aux flux de lumière, j'ai réalisé que ces effets devaient être appliqués à la peinture humide. Mon approche consistait à utiliser les poils de porc aussi longtemps que possible, en passant uniquement aux sables pour les touches finales et l'adoucissement des bords.

À mon avis, c'est une bonne pratique d'affiner une œuvre d'art du centre de la mise au point, vers l'extérieur. C'est ainsi que nous voyons naturellement.

Si le point focal est bien résolu, la périphérie de la peinture peut être beaucoup moins détaillée, même avec un effet de flou artistique, tout en fonctionnant à merveille.

Ajout de touches finales

Pour l'étape finale, des ajustements de bord ont été effectués, des ajustements de valeur ont été effectués et des détails ont été ajoutés, supprimés ou affinés. À ce stade du processus, je travaillais de la manière la plus opaque, en appliquant des passages d'empâtement pour les reflets les plus légers.

Comme mentionné, je préfère travailler mouillé sur mouillé pour créer des textures. Si une zone a déjà séché, je vais la repeindre pour obtenir l'effet dont j'ai besoin. Cela peut sembler beaucoup de travail supplémentaire - et pas très amusant - mais c'est beaucoup moins d'effort pour peindre de cette façon que d'essayer de travailler sur une peinture tenace et sèche.

À ce stade, nous voulons que nos surfaces de peinture fusionnent et fonctionnent ensemble. Nous voulons que notre pinceau soit frais et fluide, comme si la peinture avait été entièrement créée en une heure - alla prima.

La main au loin

Travailler sur une chronologie peut nécessiter que la peinture soit à la fois sèche et vernie avant que la livraison puisse être effectuée et que le paiement final puisse être reçu, ce qui est quelque chose à considérer avant de commencer.

À cette fin, j'utiliserai un médium à séchage rapide pour accélérer le processus. Je préfère la gamme de médiums Gamblin et Neo Megilp est mon médium quotidien à utiliser car il permet beaucoup de temps de travail mais sèche le film de peinture relativement rapidement.

Si je dois travailler plus vite, je passerai au support Galkyd de Gamblin pour un séchage pendant la nuit. Le Galkyd est un produit moins visqueux, il doit donc être utilisé différemment du gel Neo Megilp.

Expérimentez avec chacun d'abord pour comprendre les différentes propriétés. Bien sûr, si les couches de peinture sont épaisses, il faudra beaucoup plus de temps pour sécher avant d'appliquer un vernis.

À moins d'avoir le luxe de beaucoup de temps, j'applique généralement une fine couche de vernis de retouche sur une peinture fraîchement sèche au toucher pour restaurer le brillant et la luminosité avant de l'expédier. Pour lequel, j'en informerai le client et lui recommanderai qu'un professionnel local applique un vernis final dans environ six mois.

Lorsqu'il s'agit de travailler avec un très bon client de longue date, vous voudrez peut-être investir dans un voyage à son emplacement et appliquer le vernis vous-même. C'est un excellent moyen de cimenter une relation et entraîne généralement plus de commissions ou de ventes directes de peinture.

Cherchez toujours des moyens de garder la porte ouverte aux futures commissions!

–John et Ann


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