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Vitrage dans les huiles: une démonstration de fleurs

Vitrage dans les huiles: une démonstration de fleurs


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Jane Jones écrit une démonstration étape par étape de la façon de peindre son magnifique travail à grande échelle, Jardin de joie (faites défiler vers le bas pour voir la pièce terminée.) Dans ces 11 étapes, elle démontre le glaçage à l'huile, en utilisant Photoshop, en modifiant la composition et bien plus encore! N'oubliez pas de lire le numéro pour lire l'article complet et de voir tout ce que le numéro d'octobre 2015 du magazine a à offrir!

1. Prendre des photos de référence

J'ai photographié la configuration puis chacune des fleurs individuellement dans l'orientation que je voulais pour la composition finale.

Sur la photo (ci-dessus), la tulipe rouge dans le vase à droite hoche la tête, et quand je l'ai photographiée, je savais que je voudrais qu'elle soit plus droite, donc quand je prenais les photos de détail, je l'ai tenue dans ma main comme je le voulais dans le tableau (ci-dessous).

J'étais satisfait des informations que j'avais saisies sur les photos, mais elles n'étaient qu'un point de départ. Il y avait quelques trous dans la composition. Quelques jours plus tard, j'ai trouvé quelques autres tulipes que j'aimais, alors je les ai photographiées séparément, sachant que je pouvais également les ajouter à la composition. La clé pour faire ce travail est d'avoir un éclairage uniforme sur tout.

2. Couper et coller

Je ne possède pas de grandes compétences avec Photoshop ou tout autre programme informatique qui me permettraient de rassembler toute la composition. Je peux travailler sur mon art ou apprendre ces compétences informatiques, et j'ai choisi de faire mon art. Avant Photoshop et les ordinateurs, il y avait du «copier-coller» et j'ai ces compétences!

En utilisant du ruban adhésif plutôt que de la pâte, j'ai assemblé et combiné les photos de fleurs individuelles que j'ai aimé créer la composition finale. Voici comment je l'ai fait: j'ai commencé avec une photo 20 × 30 pouces de la composition globale imprimée chez Costco, donc j'aurais une grande photo sur laquelle travailler. Ensuite, j'ai redimensionné les photos sur mon ordinateur aux tailles que je pensais fonctionner le mieux, les ai imprimées et j'ai commencé à les placer sur la grande photo. Cette partie du processus était amusante car elle exigeait beaucoup de créativité. J'ai pu placer chaque tulipe exactement là où je le souhaitais - et je pouvais ajuster les tailles de tout, afin que chacun des éléments fonctionne parfaitement ensemble.

Si vous regardez la photo originale (étape 1) et la photo avec les nouvelles tulipes placées dedans (étape 2), vous pouvez voir que les tulipes sont toutes un peu plus grandes dans la nouvelle composition, ce qui les rend plus importantes et mieux proportion aux vases. Travailler de cette façon - couper, coller, assembler - me permet de faire des changements de tailles et de positions qui feront une meilleure peinture.

3. Dessin

À partir de la nouvelle photo (2), j'ai créé mon grand dessin maître. La peinture serait 42 × 63; J'ai esquissé dans les proportions et les emplacements sur le dessin principal. Ensuite, j'ai utilisé ces mesures pour dessiner chaque vase et chaque fleur individuellement. J'ai collé ces éléments individuels au dessin principal. En conséquence, je n’ai pas eu à gérer le très gros papier. Le dessin m'a pris environ trois semaines. C'était excitant de voir la composition se réunir comme je l'avais imaginée il y a tant de mois. Chaque fois que j'ajoutais un nouvel élément au dessin, l'idée que c'était l'impulsion devenait plus vivante pour moi!

4. Planifier l'harmonie

J'ai choisi un drapé rouge et jaune pour la table parce que ces couleurs apparaissent dans tant de fleurs, les rayures relient visuellement tous les vases et les rayures répètent également les modifications des nervures dans les vases. Enfin, les rayures sont proches des couleurs des trois tulipes rouges et blanches, où les marques rouges sont des rayures sur les pétales blancs. Ces répétitions créent l'harmonie, qui sera nécessaire pour unifier cette peinture qui a tant de couleurs différentes en elle. Il serait très facile de créer un chaos avec autant de fleurs différentes dans une composition de cette taille. Cela aide qu'ils soient tous du même type de fleur (à l'exception de l'iris) et aient des formes similaires. Et les vases ont tous la même qualité nervurée, ce qui les relie visuellement.

5. Début de la peinture

Je commence toujours une peinture en préparant le terrain - en peignant d'abord l'arrière-plan et les surfaces de table. Ici, le dessus de table était recouvert de ce magnifique tissu à rayures rouges et or sur lequel les ombres des vases et des fleurs brisaient les rayures de manière intéressante. J'ai réorganisé légèrement la position des vases, afin que les ombres soient aussi intéressantes que possible.

Je voulais que chaque fleur soit lumineuse, alors j'ai peint une sous-couche blanche de peinture à l'huile sur l'arrière-plan afin que les couleurs délicates de la première couche de peinture sur chaque fleur ne soient pas atténuées ou émoussées par le fond. Ce sous-poil blanc donne une fondation réfléchissante pour chaque fleur (voir Philosophie de la sous-peinture, ci-dessous).

6. S'attaquer aux vases

Je savais que peindre les vases serait la partie la plus difficile de cette peinture, alors j'ai décidé de les faire ensuite. J'ai utilisé les couleurs de fond et de draperie ainsi que les différents verts pour les feuilles. Les fleurs ne se reflètent pas dans le verre.

7. Maintenir les harmonies de couleurs

Parce qu'il y a une grande variété de couleurs et de formes de tulipes dans cette peinture, il aurait été facile de perdre l'harmonie des couleurs. Les éléments semblaient bien ensemble sur la photo, mais je voulais m'assurer qu'ils fonctionneraient ensemble dans la peinture, j'ai donc décidé d'utiliser un nombre limité de mélanges de sous-peinture. Chaque fois que je peux utiliser la même sous-couche pour plus d'une fleur, je le fais. Les mêmes couleurs apparaîtront alors tout au long du tableau. Par exemple, j'utiliserai les mêmes rouges pour la tulipe rouge que pour les tulipes rouges et blanches et les mêmes mélanges violets pour les deux tulipes violettes et la blanche et la violette.

Pour cette peinture, j'ai utilisé beaucoup plus de couleurs de tube que d'habitude; Je préfère une palette limitée pour créer une harmonie des couleurs. Cette peinture, cependant, a tellement d'autres motifs qui se répètent que je n'étais pas inquiet d'utiliser trop de couleurs. Je voulais également utiliser le moins de mélanges de couleurs possible pour exercer une certaine retenue.

Ce que j'ai appris sur le blues: Le bleu outremer Winsor Newton n'est pas le même que celui de Williamsburg, qui est un peu plus violet bleu et un peu plus terne. Je l'ai réalisé lorsque j'ai utilisé la marque Williamsburg pour mélanger les verts pour la sous-peinture. J'ai beaucoup aimé les mixages plus terne (de Williamsburg); ils n'avaient tout simplement pas la gamme d'intensités à laquelle j'étais habituée. J'ai résolu ce problème en créant deux mélanges: l'un avec l'ultra-marin français Williamsburg et l'autre avec le bleu ultramarine français Winsor Newton.

8. Application de glaçures aux fleurs

Au fur et à mesure que les premières tulipes étaient glacées avec leur première couche de couleur transparente (ci-dessous), elles contrastaient avec les autres fleurs qui n'avaient pas de vernis (ci-dessus): elles semblaient vivantes de lumière et de couleur. C'était vraiment comme peindre avec des vitraux!

J'étais également content de les avoir peintes avec des couleurs ternes (dans la sous-couche), car je pouvais utiliser des couleurs très vives pour les glaçures et les fleurs ne deviendraient pas trop brillantes et criardes. (La leçon: utilisez la sous-peinture pour contrôler toute tendance à peindre trop brillamment; sachez que si vous vous trompez, vous pouvez créer une autre sous-peinture avec des corrections qui permettront à la fleur de se révéler plus magnifiquement.)

Dans cette première couche de vitrage, mes objectifs sont d'ajouter de la couleur, même un tout petit peu, aux zones les plus claires; développer la couleur dans les zones de moyenne valeur et enfin, commencer à développer les zones plus sombres afin que la couleur soit riche et colorée, même si elle est sombre. Les zones d'ombre doivent également être développées pour sculpter la dimensionnalité des formes. Je garde à l'esprit qu'il est préférable d'utiliser plusieurs couches de glaçure plutôt que d'essayer de créer la couleur avec une ou deux couches de glaçure épaisses. Les couches multiples plus légères sont plus lumineuses que les couches lourdes.

Vitrage de la tulipe pêche à droite de l'iris Comme je l'ai fait avec les couleurs de sous-couche pour les tulipes pêche, j'ai créé une série de glacis que j'ai utilisés pour toutes les tulipes pêche. Les mélanges contiennent du jaune indien et du carmin permanent. L'un était tout jaune; les autres étaient jaunes avec des quantités croissantes de carmin permanent. Pour les zones plus sombres, j'ai créé des mélanges de carmin permanent, de rouge de pérylène et de bleu outremer français. Pour les glacis pêche très délicats, j'ai utilisé des mélanges de rose dorée et de jaune transparent.

Pour les mélanges plus ternes, j'ai mélangé, avec mon pinceau, le violet Winsor dans les couleurs qui se penchaient plus vers le jaune; J'ai brossé le bleu sur les couleurs qui se penchaient davantage vers le rouge.

Vitrage de l'iris (8B): J'ai utilisé des mélanges de gris Gamblin Payne, parce que c'est le gris Payne le plus transparent, et de bleu outremer français Williamsburg, parce qu'il est plus d'un bleu violet et un peu terne.

9. Application de glaçures de fleurs ultérieures

Dans la deuxième couche, mon objectif était d'ajouter plus de couleur dans les zones de valeur claire et moyenne. Parfois, si les zones claires sont très claires, une deuxième couche de glaçure n'est pas nécessaire. Je voulais également assombrir et peut-être ternir et refroidir les zones d'ombre. Ces zones ont généralement besoin de la plupart des couches de glaçure pour obtenir la couleur sombre mais toujours colorée; J'ai fait cela en alternant les couleurs dans les couches de glaçure, généralement des aspects chauds et froids de la façon dont je veux que ces zones soient dans la peinture finie. Les ténèbres ont également généralement besoin de plus de vitrage pour continuer à développer la dimensionnalité de la forme.

Dans la troisième couche, j'ai rétabli certaines zones claires. Je les avais peut-être trop foncés dans la couche de fond, ou j'aurais peut-être mis trop de glaçure au début; d'une manière ou d'une autre, ils se sont perdus. Cela arrive parfois aux bords clairs et dans les zones brillantes des fleurs: ces taches sont faciles à perdre. J'ai également perdu le léger pétale gauche de la tulipe pêche dans le vase gauche. Il faisait trop sombre et le vernis sur la partie jaune était loin. J'ai donc repeint la plupart de ce pétale avec les couleurs de sous-peinture d'origine.

Je garde toujours les couleurs de sous-couche et de glaçure jusqu'à ce que la peinture soit complète et vernie. Je passe beaucoup de temps à mélanger les couleurs exactement comme je le souhaite, et c'est donc un gain de temps de conserver tous les mélanges jusqu'à ce que la peinture soit vernie en toute sécurité. Je garde chaque palette dans un joint de palette Masterson dans un congélateur. J'ai généralement plusieurs palettes pour n'importe quelle peinture, mais comme celle-ci a tellement de couleurs et de palettes différentes qui devaient être dans le congélateur, nous avons dû manger une partie de la nourriture dans notre congélateur coffre!

10. Vitrage de la draperie et du verre

J'ai commencé à ajouter de la glaçure vert foncé (vert sève et bleu outremer français) à certaines des tiges du vase à gauche. Ici, cela a commencé à devenir beaucoup plus intéressant. J'ai créé plus de contraste de valeur qu'il n'en existait sur la photo de référence, ce qui a rendu tout plus engageant. Le jour où j'ai pris les photos de référence, il y avait un peu de brume devant le soleil, donc il n'y avait pas autant de contraste dans aucun des vases, mais j'ai changé cela maintenant.

Pour la draperie, je voulais utiliser un glacis pour assombrir les ombres qui unifieraient également les ombres en formes afin qu'elles se lisent non seulement sous forme de rayures, mais également sous forme d'ombres. Lorsque j'ai un objet qui montre plusieurs couleurs, j'essaie d'utiliser un glacis de couleur unique dans les zones d'ombre pour unifier les couleurs. Le violet fonctionne bien pour les ombres des objets rouges et jaunes car généralement les deux couleurs contiennent du violet.

J'ai commencé à émailler cette zone avec juste du violet mais j'ai décidé qu'il faisait trop chaud, alors j'ai ajouté du bleu outremer français Williamsburg au violet. J'ai rapidement découvert que le violet est beaucoup plus puissant que le bleu, j'ai donc changé mon approche et ajouté une partie du violet au bleu, ce qui a fait un glacis parfait pour les zones d'ombre, les rendant plus fraîches, plus sombres et plus ternes.

11. Plus de glacis et de détails

La peinture terminée a plusieurs couches de glaçure sur les fleurs, les vases et les draperies. Le vitrage, c'est comme regarder une photographie Polaroid se développer. Une fois les émaux terminés, j'ai parcouru toute la peinture, ajoutant et corrigeant certains détails et peignant du blanc de titane sur les reflets et les reflets les plus marquants du verre. Pointe: Lorsque vous faites cela sur vos peintures, assurez-vous que toutes les lumières et les sombres finales n'ont pas la même valeur ou la même taille. Jardin de joie (huile sur panneau, 46 × 63) est le plus grand défi de peinture que j'ai relevé, et cela me donne envie d'en peindre d'autres qui sont aussi grands et qui ont ce degré de complexité, mais pas tout de suite.

Palette pour le réglage

pour le fond: Gris et noir ivoire de Payne avec du blanc de titane pour créer des valeurs; violet dans l'ombre des deux bandes afin qu'elles se lisent comme des ombres

rouges: rouge cadmium foncé et bleu outremer français pour émousser et assombrir les mélanges or: jaune cadmium et violet Winsor pour émousser le jaune, puis blanc ajouté à ce mélange pour créer des valeurs plus claires. Pour les couleurs d'ombres foncées, j'ai mélangé le même jaune et le même violet pour créer des jaunes (bruns) plus sombres et plus ternes.

Palette pour le verre

Étant donné que le verre est transparent et n'a pas de couleur propre, j'ai utilisé les couleurs environnantes du verre et des draperies, ainsi que des mélanges de citron cadmium et des deux bleus ultramarins français pour créer les verts.

Sous-peindre les fleurs

pour les tulipes pêche, rose et jaune: mélanges de carmin permanent et de jaune de cadmium. En commençant par un mélange qui était jaune-orange, j'y ai mélangé du carmin plus permanent pour créer de l'orange, du rouge-orange, un rose qui a été émoussé avec du bleu outremer français, puis des mélanges ultérieurs avec plus de bleu ajouté au rose. Ensuite, j'ai ajouté du blanc à chaque mélange pour créer des valeurs plus claires. Lorsque j'avais besoin d'une version plus terne de l'une de ces couleurs, j'ai mélangé, avec mon pinceau, du bleu outremer français à la couleur, puis ajouté du blanc.

pour les roses plus brillants: mélanges de rouge Winsor et de blanc de titane

pour les roses plus chaudes: mélanges de rouge Winsor et de jaune cadmium pâle, plus blanc de titane pour des valeurs plus claires

pour l'iris: mélanges de carmin permanent, de bleu outremer français et de gris Payne avec du blanc de titane pour des valeurs plus claires

Palette pour la deuxième glaçure de fleurs

pour la tulipe pêche à droite de l'iris: les mêmes couleurs de glaçure que dans la couche précédente mais en mettant l'accent sur les zones plus sombres

pour l'iris: des mélanges de bleu outremer français (WN), de gris Payne (Gamblin) et de quinacridone se sont levés sur le pétale inférieur gauche pour créer une lumière violet pâle

Palette pour la troisième glaçure de fleurs

pour la tulipe pêche: juste quelques touches sur les zones les plus sombres

pour l'iris: mélanges de bleu outremer français (WN)) et de gris Payne (Gamblin) dans les zones les plus sombres.

Pour restaurer la lumière sur le pétale gauche et le côté gauche du pétale droit du milieu, du titane blanc et blanc à nouveau le long de certains bords du pétale pour montrer leur épaisseur et ajouter un peu de contraste

pour la barbe jaune: jaune cadmium pâle et violet Winsor pour mater le jaune; puis du blanc de titane ajouté pour les valeurs les plus claires; la quinacridone est montée sur le pétale inférieur gauche pour créer un rose violet clair

Philosophie de la sous-peinture

J'ai plusieurs objectifs lorsque je peins la sous-couche:

1. Commencez avec une couche opaque avec beaucoup de blanc et un peu de couleur. Plus il y a de blanc dans la sous-couche, plus la surface sera réfléchissante, créant une peinture plus lumineuse.

2. Développer la forme dimensionnelle des objets, en utilisant des contrastes de valeur entre la lumière et l'obscurité supérieurs à ceux du matériau de référence. Il est très facile de perdre ces contrastes pendant le processus de vitrage, je préfère donc les surestimer dans la sous-couche afin qu'ils soient plus susceptibles de survivre au processus de vitrage.

3. Peignez autant de détails que possible dans la sous-couche, ce qui facilitera le vitrage plus tard. Cette première couche est le fondement de toutes les autres couches, donc mieux c'est, plus les prochaines étapes seront faciles.

J'ai tendance à peindre des fleurs un peu trop lumineuses, et je ne veux certainement pas que cela se produise avec celles-ci. Ainsi, en plus de rendre les fleurs un peu plus légères que les fleurs finies, j'utilisais des couleurs qui semblaient ternes sur la palette. Une fois que j'ai commencé à peindre et que plusieurs fleurs étaient terminées, les couleurs ternes semblaient vives et belles. Le fond gris foncé rend les couleurs plus vives.

4. Gardez la lumière sous-jacente. Habituellement, la sous-couche a un aspect pâteux ou crayeux, avec des zones sombres beaucoup trop claires. Il vaut mieux que les couleurs soient trop claires, car elles peuvent toujours être assombries avec des glaçures. La sous-couche à ce stade ressemble à un jardin de fleurs pastel, et je suis souvent tenté de laisser le tableau de cette façon. Des années d'expérience, cependant, me disent que continuer avec des couches de glaçures transparentes donnera vraiment vie à l'image.


Rencontrez Jane Jones: Parmi les nombreux prix de Jane Jones, il y a le Prix d'excellence 2011 de Blossoms II: Art of Flowers, un concours international et une exposition. Auteur de Classic Still Life Painting (Watson-Guptill), elle enseigne à l'Art Students League of Denver. La galerie Sugarman-Peterson (Santa Fe, N.M.) et les galeries Bonner David (Scottsdale, Arizona) représentent son travail. En savoir plus sur janejonesartist.com.


Voir la vidéo: Comment couper un miroir. How to cut a mirror (Mai 2022).


Commentaires:

  1. Tahmelapachme

    Merci beaucoup pour votre aide dans cette affaire. Je ne savais pas ça.

  2. Rider

    C'est juste ridicule.

  3. Zelig

    Just enough, I will participate.

  4. Samurn

    Passer toutes les limites.

  5. Herne

    Hey les gens! Qu'as-tu écrit ici? Il semble que les gens de la maison jaune aient été ici.



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