Histoire de l'art

La couleur de la musique

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Quatre peintres célèbres ont utilisé les principes de la musique pour faire avancer la composition et la couleur

Tout artiste fin qui est aussi musicien attestera que les mondes de la peinture et de la musique partagent une multitude de points communs. Deux dialectes d'une même langue, ces formes d'art distinctes se sont longtemps influencées et empruntées, et leurs terminologies interchangeables - composition, couleur, gamme chromatique, tonalité et rythme, pour n'en nommer que quelques-unes - révèlent à quel point leur connexion est familiale.

Au-delà des termes théoriques, cependant, l'art visuel et la musique partagent également la capacité de transmettre l'humeur, le mouvement et l'émotion, provoquant ainsi une forte réponse viscérale du spectateur. De plus, tout comme les musiciens et les chanteurs savent quand ils sont au diapason, les artistes visuels peuvent également sentir quand ils ont frappé un «accord» harmonieux et que la composition et la couleur chantent.

INGRES JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE

Plusieurs peintres à travers l'histoire, en particulier ceux qui ont contribué à façonner le modernisme, ont été fortement influencés par la musique et la musicalité. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), néoclassiciste français dont les fréquentes ruptures avec la tradition et l'exagération des formes ont inspiré plus tard Pablo Picasso et Henri Matisse, a également joué le deuxième violon à l'Orchestre du Capitole de Toulouse alors qu'il était étudiant.

Au cours de sa carrière, les connaissances évolutives de l'artiste sur la structure musicale ont grandement influencé son développement et ses théories en tant que dessinateur, peintre et enseignant. Ses conversations et collaborations avec les compositeurs Charles Gounod (1818–1893) et Franz Liszt (1811–1886) ont été particulièrement influentes, et Ingres était connu pour faire des analogies fréquentes avec la musique tout en enseignant à l'Académie française de Rome et à l'École des Beaux-Arts de Paris.

"Si je pouvais faire de vous tous des musiciens, vous en bénéficieriez ainsi en tant que peintres", a-t-il déclaré à ses élèves. «Tout dans la nature est harmonie; un peu trop, ou bien trop peu, dérange l'échelle et fait une fausse note. … La justesse des formes est comme la justesse des sons. »

JAMES MCNEILL WHISTLER

James McNeill Whistler (1834–1903) n'était pas étranger à la synergie entre l'art et la musique. Au milieu des années 1860, il a commencé à titrer ses peintures avec des termes musicaux tels que symphonie, arrangement et nocturne, faisant référence à la corrélation entre les variations de ton musical et les variations de valeur de couleur.

Contrairement à Ingres, qui a souligné l'harmonie de la nature, Whistler a offert une alternative au naturalisme. Il était le pionnier d'une technique de composition basée sur les possibilités de la peinture elle-même et les qualités abstraites du plan de l'image.

Il a illustré ces points et d’autres en utilisant des métaphores musicales dans sa célèbre conférence Ten O’Clock, dont les principes étaient fondamentaux pour les prochains mouvements postimpressionnistes et abstraits. "La nature contient les éléments, en couleur et en forme, de toutes les images, comme le clavier contient les notes de toute la musique", a déclaré Whistler. «Mais l'artiste est né pour choisir, et grouper avec la science (la connaissance), ces éléments, afin que le résultat soit beau - alors que le musicien rassemble ses notes et forme ses accords, jusqu'à ce qu'il sorte du chaos une glorieuse harmonie. "

Si Ingres avait Liszt et Gounod comme frères de composition, Whistler avait le respect de Claude Debussy (1862-1918), comme l'a révélé quand Debussy a fait ses débuts sa composition orchestrale de 1899 Nocturnes, inspirée des dernières peintures de Whistler.

WASSILY KANDINSKY

Au début du modernisme et de la théorie des couleurs d'avant-garde, la musique faisait plus que simplement informer la peinture. Wassily Kandinsky (1866-1944) et Paul Klee (1879-1940), en particulier, ont été tellement influencés par la musique que l'on pourrait les appeler des compositeurs qui ont utilisé la couleur pour créer leur musique plutôt que des peintres inspirés par la musicalité.

Kandinsky pensait que la peinture abstraite était le meilleur moyen de reproduire le pouvoir mélodique, spirituel et poétique de la musique. Il a passé sa carrière à appliquer les principes symphoniques de la musique à l'arrangement des notes de couleur et des accords.

Il a été particulièrement inspiré par le synchromisme - un mouvement basé sur l'idée que la couleur et le son sont des phénomènes similaires - et le compositeur Arnold Schoenberg (1874-1951), avec qui il s'est lié d'amitié et a collaboré pour attribuer des couleurs à certaines notes musicales. Dans sa publication de 1911 Concernant le spirituel dans l'art, Kandinsky a déclaré que «la musique est l'ultime professeur» et a développé les idées de synesthésie, la fusion de deux sens - dans ce cas, le son et la vue.

PAUL KLEE

Si Whistler a fait un virage notable du naturalisme basé sur les improvisations de la musique, et si Kandinsky a travaillé à partir de la structure sonore pour créer des vibrations et des fréquences visuelles similaires, Paul Klee (comme Ingres, un violoniste qualifié) a pris les choses un peu plus loin dans son développement de deux grandes théories de la couleur: le Canon de la totalité des couleurs et la peinture polyphonique (plusieurs voix).

Klee considérait les compositeurs du XVIIIe siècle tels que Mozart et Bach comme le summum de la réussite musicale. Il sentait que les compositeurs de son temps - Bruckner, Wagner et, en particulier, Strauss - ne semblaient plus expressifs qu'en surface, mais étaient en fait enchaînés à la mélodie et au mètre de leur propre musique.

Cette affirmation est devenue le point de départ de sa mission tout au long de sa carrière de déconstruire la musique de l'âge d'or et de l'appliquer à la peinture, donnant ainsi aux artistes une plus grande puissance d'expression. Sa théorie sur la couleur de la tonalité, développée lors de son enseignement au Bauhaus, a examiné la relation et le mouvement entre les couleurs, comme le mouvement circulaire entre les couleurs primaires et secondaires.

Ses peintures qui illustrent sa théorie polyphonique ont examiné comment le son d'une peinture a changé en fonction du nombre d'éléments et de dispositifs stylistiques utilisés. Dans ses théories, Klee a affirmé que le rythme marque le mouvement du temps dans la musique et l'art.

«Je suis continuellement mis au courant des parallèles entre la musique et les beaux-arts», a écrit Klee. «Il est certain que les deux formes d'art sont définies par le temps. Cela peut facilement être prouvé. »

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Article écrit par Allison Malafronte et publié pour la première fois dans Artists Magazine.


Voir la vidéo: Crayons de Couleurs - Comptines et chansons sur les couleurs pour bébés Titounis (Juillet 2022).


Commentaires:

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