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Les vies pas si tranquilles de l'aquarelliste Dawn Clements

Les vies pas si tranquilles de l'aquarelliste Dawn Clements



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Nous avons été attristés d'apprendre que l'artiste Dawn Clements, dont les grandes œuvres cumulatives de natures mortes captaient la joie de vivre au quotidien, est décédée récemment à l'âge de 60 ans. Selon la nécrologie de Neil Genzlinger pourLe New York Times: «Dawn Clements, dont les dessins et aquarelles complexes capturaient des scènes détaillées de sa propre vie et de mélodrames de films, souvent à l'échelle panoramique, est décédée le 4 décembre dans un hospice du Bronx… Les dessins de Mme Clements - généralement à l'encre sumi ou un stylo à bille - et ses peintures utilisaient souvent plusieurs feuilles de papier froissé, cousues ensemble en grandes formes irrégulières qui contrastaient avec la précision technique de sa main.

Clements a été présenté dans un article de John A. Parks dans le numéro d'avril 2018 deArtiste aquarelle. Combattant le cancer au moment de l'entrevue, Clements a abordé sa maladie et son impact sur son travail. Nous dédions l'article, republié ici, à la mémoire de Dawn.

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Un effet cumulatif

Dawn Clements dessine et peint son environnement, se déplaçant d'un point de vue à l'autre avec un œil intense et une main sûre pendant des jours et des semaines. Les œuvres deviennent cumulatives, non seulement en tant qu'observations mais aussi physiquement, car l'artiste ajoute des feuilles de papier pour intégrer chaque nouvelle zone de son sujet. Progressivement, ils deviennent de très gros morceaux, certains de plus de 20 pieds de long.

Plié, stressé par la manipulation et souvent loin des vrais rectangles, le travail fini de Clements témoigne d'un long engagement physique avec le monde. Inévitablement, cette entreprise devient autobiographique, non seulement comme témoignage de passer du temps dans un certain lieu, mais aussi pour enregistrer les objets avec lesquels l'artiste se trouve en train de vivre.

Récemment, confrontée à de graves problèmes de santé, Clements a choisi d'incorporer des preuves de ses traitements en cours sous forme d'emballage de médicaments. Un corpus de travaux qui prend la nature mouvante et transitoire de la perception s'est maintenant élargi pour devenir une méditation sur la mortalité.

Loin d'être négative, la vibrance et l'intensité de l'œuvre affirment la joie de l'artiste à engager le monde, même si certains des sujets revêtent un nouveau caractère poignant.

HORS PAPIER

Clements a commencé à travailler à sa manière actuelle au début des années 90 lorsqu'elle dessinait des natures mortes et s'est retrouvée à voyager. «J'étais dans une chambre d'hôtel en Italie, je tirais un cordon téléphonique», se souvient-elle. «Je n'avais pas très bien planifié le dessin et l'image ne collait pas sur le papier. J'ai été déçu jusqu'à ce que je réalise que je n'avais vraiment pas à me limiter au rectangle du papier - que je pouvais ajouter des morceaux pour agrandir l'image.

«Une fois que je me suis donné la permission de coller sur plus de papier, j'ai réalisé que je pouvais faire de grands dessins à partir de modules plus petits. Une fois que le cadre du rectangle a été changé, je pouvais penser à dessiner d'une manière plus sculpturale, qu'un dessin ne devait pas être une "fenêtre" mais pouvait se présenter comme l'objet qu'il était. "

Clements a en outre découvert qu’elle n’avait pas besoin de garder son dessin de plus en plus plat; quand il devenait trop long à gérer, elle pouvait simplement le plier, ce qui lui permettait de faire des dessins à une échelle beaucoup plus grande.

«Parfois, mes dessins sont déchirés ou usés ou en détresse lorsque je les plie et les colle», dit-elle, «mais ensuite je les répare et les répare. Tout cela fait partie de mon processus. »

UN POINT DE VUE CHANGEANT

Le processus de Clements se traduit inévitablement par des images quelque peu fracturées. Ils intègrent diverses disjonctions au fur et à mesure que le travail d’un jour s’ajoute au suivant. Dans un sens, le travail reflète la façon dont nous abordons un monde complet et continu à partir d'une mosaïque de points de vue changeants et d'entrées sensorielles. Mais les dessins présentent également une appréciation beaucoup plus élaborée de la richesse visuelle d'un environnement que ce que nous considérons normalement.

Clements travaille près de chaque objet, passant du temps à l'observer intensément avant de passer au suivant. Elle accepte que son processus signifie qu’elle va se passer d’un espace de perspective complet et cohérent tout au long d’une œuvre. Alors que des objets individuels ou de petits groupes peuvent avoir une perspective «correcte», l'ensemble du travail peut incorporer de nombreux points de vue différents tout en adoptant une certaine planéité.

«Non seulement je change de point de vue», explique l'artiste, «mais je peux dessiner à différents moments de la journée. Cela peut entraîner plusieurs ombres ou des ombres qui ne sont pas conformes à une seule source de lumière. " Les travaux antérieurs de Clements ont présenté une variété de médias, mais ces dernières années, elle a commencé à travailler intensivement à l'aquarelle.

«Avant 2012, je travaillais principalement à l'encre et à la gouache», dit-elle, «tantôt stylo à bille, tantôt encre et pinceau Sumi, tantôt gouache. Les gens décrivent souvent mon travail comme du «dessin». Même si j'utilise souvent de la peinture, il y a quelque chose dans mon processus qui fait penser que mon travail est le dessin. Je me fiche de ce que les gens appellent ça. Pour moi, c'est du travail. "

À un certain moment, Clements a choisi d'utiliser l'aquarelle parce qu'elle correspondait à son sens du processus en tant que dessinateur. "Quand je travaille à l'encre, je n'utilise généralement pas d'eau ou de blanc", dit-elle. «Cela rend l'effacement impossible. Cela ne veut pas dire que les marques ne peuvent pas être modifiées. Si je ne peux vraiment pas vivre avec une marque, je vais la découper et la coller dans un nouveau morceau de papier propre. Pourtant, la plupart du temps, j'essaie de vivre avec les soi-disant erreurs que je fais et je continue d'avancer, acceptant que cela fait partie de l'expérience de la fabrication - et, finalement, de la visualisation - de l'œuvre.

«Quand j'ai décidé de travailler dans la gouache», poursuit-elle, «il y avait quelque chose dans son utilisation qui ressemblait à de la peinture. Qu'est-ce que c'était? Il s'est avéré que c'était la présence de la couleur blanche dans la palette. Une fois le blanc disponible, des corrections et des effacements étaient possibles. De plus, la construction d'une forme avait plus de potentiel d'être plus traditionnellement picturale. Habituellement, les peintres à l'huile travaillent du foncé au clair. Même si la gouache est un milieu à base d'eau, elle a le potentiel d'être opaque, donc les révisions peuvent être faites facilement. »

Un jour - Clements ne se souvient pas pourquoi - elle a décidé de travailler à l'aquarelle au lieu de la gouache, et c'était très différent. «Même si c'était de la peinture, j'avais l'impression de recommencer à dessiner», dit-elle. «J'ai réalisé qu'en aquarelle, je n'utilisais pas de blanc opaque et que les peintures étaient toujours translucides. D'une certaine manière, je ne pourrais jamais couvrir mes «erreurs». Cela ressemblait à dessiner à nouveau. Le spectateur a eu accès à ma recherche et à mes difficultés.

«J'adore la façon dont l'aquarelle peut révéler un changement d'avis ou un changement de position, une direction envisagée et redirigée.»

COMMENCER PETIT

La façon dont Clements construit un dessin par un processus d'accrétion signifie que le papier subit souvent une manipulation considérable - et que le travail éventuel peut atteindre une très grande échelle. Ce sont des caractéristiques qui contribuent à la fois à la nature et à la puissance de l'œuvre, mais présentent également des défis en termes de longévité.

Les œuvres terminées sont exposées sans cadre, s'étendant à travers les murs d'une galerie et exposées aux accidents. «Je m'inquiète de la longévité de mon travail, mais je suppose que je suis plus intéressé par la recherche elle-même», déclare Clements. «Je fais souvent de grands travaux dans de petits espaces, par exemple, un grand dessin de ma table de cuisine.»

Pour ce faire, elle peut commencer petit, ajouter du papier avec de la colle à mesure qu'elle progresse, puis plier le papier pour s'adapter à sa portée. Clements fonctionne presque toujours sur une surface plane parallèle au sol, comme une table, et presque jamais sur le mur. "Cela me permet de rester proche des objets que je dessine et me place juste là à la table de la cuisine", dit-elle. «J'espère que même si l'œuvre peut devenir très volumineuse, elle n'est jamais« monumentale ».»

Clements s'efforce de transmettre une intimité dans son travail, même lorsqu'il s'agit d'un grand format. «Je veux que le travail reflète ma vie et ce que je vois, à la fois l'amour et le désordre», dit-elle. "Peut-être que la détresse qui arrive au travail en fait partie."

UNE NOUVELLE CONDITION

Alors que le travail de Clements a toujours été quelque peu autobiographique dans l'enregistrement des espaces dans lesquels elle a vécu et travaillé, il a pris un nouveau sens depuis que l'artiste s'est trouvée confrontée à de graves problèmes de santé.

«En avril 2016, on m'a diagnostiqué un cancer du sein à un stade précoce», explique Clement. «C'était dévastateur, mais d'après ce que j'ai compris, la chirurgie, la chimiothérapie et la radiothérapie pourraient très bien débarrasser le cancer de mon corps. Malheureusement, mon cancer n'a pas répondu au traitement. Fin octobre 2016, il m'a été révélé qu'il s'était propagé à d'autres parties de mon corps et que j'avais un cancer métastatique de stade très avancé [stade IV]. Il n'y avait pas de rôle pour la chirurgie et mon pronostic était très grave. Cela a été un choc terrible pour moi. »

Le lendemain de la réception de cette nouvelle, Clements s'est rendu à Rome pour une résidence de deux mois à l'American Academy. «En m'assurant que je pourrais recevoir le même traitement médical à Rome, mon oncologue m'a encouragé à y aller», explique l'artiste. «Un oncologue à Rome a communiqué avec le mien à New York pour que je puisse commencer un traitement. C'était une période assez folle, m'adapter à un nouvel endroit et à un système de santé di ff érent tout en essayant d'enrouler mon cerveau autour de la gravité de ma nouvelle condition.

«Comme vous pouvez l'imaginer, ce fut une période très déroutante pour moi. Mais j'étais là dans cet endroit extraordinaire, avec un studio glorieux dans une communauté d'artistes et d'universitaires accomplis et brillants. Ce fut une période très étrange, onirique à bien des égards », dit-elle.

AU JOUR LE JOUR

Remarquablement, Clements s'est lancé dans une très grande aquarelle. «Pour mon projet à Rome [Trois tables à Rome, ci-dessous] Je voulais expérimenter quelques idées concernant le fait de savoir si différents niveaux de définition ou de résolution pouvaient coexister avec succès dans une seule œuvre », dit-elle. «Pour ce faire, je me suis créé des règles. J'ai décidé de dessiner ce que j'ai observé sur plusieurs dessus de table. Au lieu de rester figé dans une position, je me déplaçais le long du bord de la table pour être toujours proche des objets que j'observais, en les interprétant de la même façon qu'une caméra vidéo ou un film pouvait se déplacer lentement et scanner un espace. "

Clements a commencé chaque jour en découpant un morceau de papier dans un grand rouleau, en choisissant un format qu'elle pensait pouvoir remplir ce jour-là. «Par exemple, le premier jour, j'avais prévu de peindre une brindille de pin, donc le papier avait à peu près la taille d'une brindille de pin, pas beaucoup plus gros», dit-elle. "Le deuxième jour, j'ai coupé un autre petit morceau de papier et l'ai attaché à gauche du premier jour de travail." Elle a ensuite peint une branche d'olivier dessus. "Chaque jour suivant, j'ajoutais juste assez de papier pour ce jour-là", dit-elle, "et c'est ainsi que le travail a augmenté [atteignant finalement 22 pieds de largeur]."

Clements a ajouté une autre règle à son processus; elle a juré de ne jamais retourner au travail de la veille. Elle ne faisait qu’avancer. «Je pouvais ajouter n'importe quelle taille ou papier façonné que je souhaitais, et le travail terminé pourrait être de n'importe quelle taille ou forme que je voulais dans les limites des huit semaines de la résidence. Je n'étais limitée que par le temps, pas par la taille », dit-elle.

Les règles auto-imposées de Clements lui ont en effet permis de comprendre comment différents niveaux de résolution pouvaient fonctionner dans une même œuvre. «Habituellement, je travaillais sur l'image d'un objet jusqu'à ce que je sente qu'elle était complète, souvent avec un niveau de définition assez élevé», dit-elle. «Parfois, cela prenait des heures, voire des jours. Dans mes travaux précédents, certains changements temporels et physiques m'empêchaient souvent de résoudre une image comme je l'avais prévu.

«Par exemple, une fleur flétrirait ou laisserait tomber ses pétales; une jacinthe fleurirait; un fruit se décomposerait progressivement; ou une résidence prendrait fin. J'ai toujours essayé de répondre à ces changements et de les intégrer dans le travail. L'impact du passage du temps et du changement physique a affecté la façon dont j'ai composé et résolu le travail. Plutôt que de contrôler mon environnement, j'ai essayé de collaborer avec lui.

"Mais à Rome, j'ai créé des paramètres encore plus stricts pour reconnaître le rôle de la nature dans le changement, la croissance, la décroissance et le temps", explique Clements. "Dans mon esprit, cette contrainte de temps forcée a donné un but aux variétés de résolutions." Avec le papier en détresse et les plis, les niveaux de résolution sont devenus partie intégrante du processus.

ÉPHÉMÈRE PERSONNELLE

Tout en poursuivant ce projet ciblé et réfléchi, l'artiste reconnaît que toute l'entreprise a été compliquée par son état physique et émotionnel alors qu'elle était aux prises avec son état de santé.

«Mon nouveau régime de traitement, devoir le gérer en Italie et essayer de comprendre mes sentiments sur l'évolution de ma maladie et de ma mortalité était difficile,» se souvient-elle. «Et le travail lui-même était exigeant et passionnant pour moi. Il a fallu beaucoup de concentration. »

En se déplaçant et en peignant les dessus de table, Clements a ajouté des objets tels que des fruits, des bouts de papier et d'autres choses qu'elle a rencontrées dans sa vie quotidienne. «Au cours des dernières semaines de travail sur cette pièce, j'ai continué à prendre des pilules de chimiothérapie et à regarder la boîte, en conservant les blisters utilisés des pilules que j'avais consommées. Je voulais les inclure dans le travail, mais je ne l'ai pas fait immédiatement. "

Elle se demandait si leur présence allait submerger l'œuvre et créer un récit trop fort et peut-être même trop sentimental. Mais finalement, elle a décidé d'inclure la grande boîte de médicaments (Xeloda) et les blisters vides.

«D'une certaine manière, c'est devenu un calendrier, une façon de compter les jours», explique Clements. «Et je viens de décider que, pour moi, il serait malhonnête de ne pas inclure ces objets qui étaient devenus une partie si essentielle de ma vie. Ils sont devenus aussi importants et aussi ordinaires que n'importe quel objet sur la table.

"Mais bien sûr", poursuit-elle, "le texte sur l'emballage de la boîte à pilules est très lisible, et le texte dans un travail visuel peut être un domaine de concentration. Les gens le voient et le lisent. Il a le potentiel de conduire et de souligner un récit. »

Pourtant, le récit final de Trois tables à Rome se révèle être beaucoup plus large que l'histoire d'une maladie. Des fruits, du feuillage et une variété d'emballages italiens affichant un type coloré et élégant sont incorporés à l'image. Une lampe et un téléphone sont joints par le grain de bois usé d'un plateau de table, et un aperçu de la pelouse et de la lumière à travers une fenêtre.

La vie continue dans tous ses aspects de croissance et de décomposition. Des artefacts électroniques sophistiqués prennent leur place aux côtés de formes naturelles; un certain goût pour le plaisir et la légèreté habite la pièce. Toute la richesse de la vie est là. Si certains de ses aspects sont nécessairement plus sombres que d'autres, l'artiste parvient à nous donner un aperçu de l'ensemble avec beaucoup de plaisir et de joie.

Un pied carré de pelouse

L'une des aquarelles les plus insolites de Clements -Herbe- représente une petite zone de pelouse vue directement du dessus, dans laquelle chaque brin d'herbe et de fleur sauvage est exploré avec un œil presque obsessionnel.

«Souvent, je le décris comme une sorte d'escalade», explique Clements, se référant à un état d'observation intense. Reconnaissant le lourd détail, elle souligne qu'avec certains sujets, le détail est tout simplement inévitable.

"Si nous dessinons l'intérieur d'une église ornée, nous pourrions être considérés comme obsessionnels si nous dessinons tous les détails", dit-elle, "mais vraiment, c'est le sujet." Clements dit que son intérêt pour un dessin minutieux d'une parcelle de pelouse a été influencé par certaines œuvres de Fra Angelico (italien; 1395-1455), dans lesquelles des sections de pelouse, épaisses avec diverses fleurs, apparaissent à côté des figures.

«J'ai été frappée par la révélation à quel point les pelouses européennes ressemblent à la pelouse Fra Angelico et que les pelouses de Fra Angelico peuvent provenir d'une expérience observée de son environnement», dit-elle. «Parce que les peintures de Fra Angelico sont si éthérées, je ne les ai jamais vraiment considérées comme étant de ce monde. Voir cette pelouse Fra Angelico dans la vie devant la porte de mon studio en Ombrie m'a frappé d'une manière puissante. Le processus même de le dessiner tous les matins en a fait un objectif plus méditatif qu'obsessionnel. »

Pour peindre la pelouse, Clements a décidé qu'elle ne passerait qu'une heure chaque jour de sa résidence de six semaines en Ombrie à peindre une section d'environ un pied carré de pelouse. Elle l'a fait pendant 23 jours consécutifs. «Ce qui m'intéressait, c'était qu'une pelouse poussait toujours», dit-elle. «Parfois, même en 24 heures, il serait difficile de retrouver ma place.

"Je ne suis pas botaniste et je suis un terrible jardinier, mais c'était fascinant de passer ce temps avec un pied carré de pelouse."

À propos de Dawn Clements

Dawn Clements (déc.2018) a grandi à Chelmsford, dans le Massachusetts, où son père était artiste. Certains de ses premiers souvenirs dessinaient avec lui dans son atelier. Au collège, elle a étudié le cinéma avant de se lancer dans une carrière artistique. «Je sais que la musique et le film ont in fl uencé mon travail et m'ont encouragée à réfléchir à la façon dont nous bougeons et encadrons, interprétons et présentons constamment nos expériences au fil de notre vie», a-t-elle déclaré. «J'en suis venu à considérer l'observation comme un regard attentif, mais aussi comme une écoute et un toucher. J'ai fini par apprécier les points de vue qui bougent et changent. »

Le travail de Clements a été largement exposé pendant de nombreuses années, notamment à la Biennale de Whitney 2010. Il est également inclus dans les collections permanentes du Museum of Modern Art; le Whitney Museum of American Art; Le musée Tang, à Saratoga Springs, N.Y .; La collection de la Deutsche Bank; La Collection Saatchi, à Londres; La galerie d'art Henry; l'Université de Washington, à Seattle, Washington; et Colecção Madeira Corporate Services, au Portugal.

Clements a fait son domicile à New York et était membre de la faculté de la Rhode Island School of Design.

Article écrit par John A. Parks, peintre, écrivain et membre de la faculté de la School of Visual Arts de New York.


Voir la vidéo: Dawn Clements New Work with sculptures by Marc Leuthold at PIEROGI (Août 2022).